ILUSTRA UN MES III: BEATRIZ REY

"Ilustra un Mes" de Noviembre se abre paso con un nuevo universo artístico: la fotografía. En este caso de la mano de Beatriz Rey Ortiz de Solórzano, una joven promesa de veinticuatro años nacida en Madrid. Comenzó su carrera en el año 2009 de manera autodidacta como hobby, medio de expresión y escape. Al tiempo, pensó dedicarse profesionalmente a lo que más le gustaba en la vida, incluso participó en la agencia americana Getty Images durante los años 2012-2014, pero finalmente descartó esta idea por el concepto poético de no convertir su pasión en su profesión y guardarlo como refugio sagrado, dejando la fotografía en un rincón más íntimo y personal. 



Una niña caminando entre unas palomas, un beso efímero, un ave alzando el vuelo, una fugaz sonrisa. La idea de exprimir la realidad, en un solo tiro, sin opción a repetir o retocar. En algunas de sus fotografías se ve la inmediatez, la realidad de fijar un instante preciso jugando con la idea del encuentro sin posibilidad de volver a vivir ese momento. Sin duda, la acción de la observación está latente en todas sus obras haciendo saltar una chispa llena de espontaneidad. Una espontaneidad prácticamente digna de la fotografía. En este caso, Beatriz ha actuado casi como la mujer invisible, sigilosa pero atenta, como la narradora en tercera persona de cualquier relato. En la fotografía prima la tensión, el impulso del nerviosismo positivo. 




En otras de sus fotografías no es la inmediatez lo primero que puede venir a la mente del espectador, sino una sensación de naturalidad y belleza, independientemente de que sea un paisaje o un retrato. Sin duda, esa idea de intimidad que persigue nuestra artista se ve reflejada en muchas de sus fotografías haciéndonos partícipes de la escena. La carga sentimental se nota a flor de piel, sobre todo en las fotos de su hermana melliza y musa. 



Los colores son ricos y vibrantes. Parece que en este sentido, ha seguido consciente o inconscientemente, el consejo del fotógrafo Cartier Bresson en el que decía que la fotografías no las encuentras si las buscas, sino que deben ser ellas las que vengan a tí. "Cézanne dijo. Cuando pinto, si empiezo a pensar todo se va al diablo." En estas fotografías se nota el placer por la composición plástica y la sensibilidad que proviene del subconsciente y que no puede explicarse con palabras. 


También parece seguir los consejos de este maestro de la fotografía en los retratos, sobre todo los de su musa. Tanta importancia le daba a la relación con el sujeto, que decía que incluso una mala palabra podría arruinar toda la foto. Conseguir evitar el artificio y que parezca que el retratado ha olvidado que existe una cámara es muy difícil y parece que ella lo consigue sin problemas. Se observa una geometría muy bien formada, pero de manera instintiva. Como debe ser.    
                                             
La luz es la fotografía en sí misma y en la marca Beatriz Rey está captada de una manera inteligente y maravillosa, poética y pictórica, tanto en las fotografías en blanco y negro, como en las de color. Sus estudios de luz abarcan atardeceres, pleno sol o días nublados, pero en todos te sientes atrapado y envuelto en una atmósfera absolutamente natural e íntima. Erótica y amorosa. Pero sobre todo, por encima de todo: BELLA. 



Su fotografía une, crea lazos, desnuda el alma y resalta el amor hacia sus modelos y paisajes. Lo que igual no sabe Beatriz es que también está creando una conexión, unos lazos irrompibles, con el espectador de su obra. 

Victoria Alonso Yanes

                                   
                                            

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TODA LA MEMORIA por Asier Vázquez

Del mismo modo en que la muerte se le parece a la vida y la justifica,
la explica y le da sentido, las palabras que se entrelazan y flotan
solitarias en el silencio sobre el escenario compiten contra el
cruento estruendo circundante y lo describen. Así, también, el
individuo despojado de todo artificio y oropel encarna la tragedia de
los pueblos, y el humor, como una cáscara brillante y efímera, oculta
el corazón negro de la historia y sus galones.

Bastan dos sobrios personajes, brotados del cuero de las llanuras de
España, y sus tristes circunstancias, para intuír la magnitud de todo
lo que apenas se cuenta, porque no es necesario, y de todo lo que
finalmente va a desatarse. Y es difícil saber quién guía a quién,
quién le abre los ojos a quién, quién condena a quién y a qué, quién
es más consciente y poseedor de la vida y sus aristas, quién está más
despierto o perdido... Aunque en realidad poco importe.

Todo para que, al final, nos veamos confrontados a la memoria que
inevitablemente ha de volver, aunque no siempre se quiera. La memoria
cristalina de los nombres, la memoria del silencio en las sienes, la
memoria del sable en la ventana, la memoria de los caminos que fueron
sangre, la memoria del exilio de las manos, y toda la demás memoria.

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ILUSTRA UN MES II: MANLE CAÑETE

Después de trabajar varios meses con Manle Cañete en el terreno de la producción, ¡qué agradable sorpresa ha sido escribir sobre ella y poder descubrir su maravilloso trabajo artístico! Podía intuir su estilo y sus temas, pero no me hacía a la idea de que iba a ser algo tan maravillosamente espeluznante y hermoso. Sin duda, es un honor contar con su ilustración sobre el logo de LA CONOCIDA para este mes de Octubre en "Ilustra un Mes".
Ilustradora, dibujante y diseñadora gráfica sevillana, actualmente instalada en Madrid, destaca por utilizar un formato en blanco y negro creando atmósferas fantásticas, cargadas de una luz propia donde a menudo lo optimista y bello convive y se intercala con las imágenes más lúgubres y siniestras.

"Juncos huecos.."

"Si te alejas de la oscuridad... no valorarás la luz. Y andarás perdido."

Son claras las influencias y referencias a Yanni Flo, a Fernando Vicente Vanitas con sus creaciones anatómicas, a Zdzislaw Beksinski con su fantástico mundo y a Chiara Bautista, artista con un estilo muy original a la que Manle reconoce admirar.

Nuestra artista sevillana utiliza un lenguaje onírico cargado de misterio y ciertas ensoñaciones cerca de la pesadilla donde lo macabro se manifiesta en la mutilación de la carne recordándonos aquello que somos: carne y huesos. Pero carne y huesos rodeados de alma, ideas, sentimientos y -¿por qué no?- nuestros propios fantasmas. 

"No me comas...Que ya lo hago yo"

"Volviendo lentamente -Libertad del siglo XXI-"

Sus ilustraciones tienen una curiosa mezcla de estilo oriental y cómic, con atmósferas intrigantes y delicadas, cargadas de un claro contenido poético combinado de vez en cuando con cierta sátira irónica. 

"En el primer día el hombre creo a Dios...En el segundo, Dios lo mató"

Lo que esta claro en este mundo iniciático de sueños es que Manle cree verdaderamente en lo que hace y creo que hay que aprovechar estas oportunidades que te da la vida para aprender con perpetua admiración.
Nada me alegraría más que poder actuar como mediadora y como espectadora en continuo aprendizaje, con el alma y los sueños de las personas a través del arte de Manle Cañete. 

"Saltaba de planeta en planeta...Recogiendo sueños"

Victoria Alonso Yanes 





   

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RETRATOS III: Miguel Esteban

Cómico, guionista, actor y sobre todo autor. Su autoestima, su indudable inteligencia, su humor negro salpicado de notas absurdas, su ternura, su visión del amor y los sentimientos ("Para mí la vida es amor, y, en menor medida, necrofilia") hacen de él  una persona con una clara marca personal. Una marca personal tocada por la ironía, lo disparatado y un poco lo macabro, pero por encima de todo, la risa. 
  
                                 
`Maricón y Tontico´, miniserie de animación de Museo Coconut dirigida por Joaquín Reyes y escrita por Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes, Raúl Cimas y Miguel Esteban.
                                   

Lleva trabajando desde 2001 en el mundo del espectáculo, derrochando arte por  bares, salas y platós de televisión. Ha grabado siete  monólogos para ‘Central de Cómicos’ y otros dos para el show '10 Cómicos 10', en Paramount Comedy. Ha trabajado como guionista en "El Intermedio" y actualmente dirige una serie para Comedy Central. Pero sin duda donde yo le conocí y dónde me marcó tanto en lo personal como en lo profesional, fue en Museo Coconut. 

                           
                                    Miguel Esteban en `Central de Cómicos´   


¿Qué decir de Museo Coconut? Cuando me enteré de que un elenco de artistas tal como Julián López, Ernesto Sevilla, Raúl Cimas, Joaquín Reyes, Carlos Areces y Miguel Esteban, entre otros, iban a hacer una serie sobre un Museo de Arte Contemporáneo, caracterizado por un humor absurdo y miniseries de animación, no pude más que ver una y otra vez los capítulos. Hasta tal punto que me aprendía los diálogos. ¿Cuántas  veces puedes ver una serie de verdadero humor, que regala risa a espuertas y con artistas a los que admiras, combinando tus dos marcos profesionales(la interpretación y el arte)?

          
 Raúl Cimas, Julián López, Carlos Areces, Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla en Museo Coconut.
        
Así pasó el tiempo, hasta que un día no especialmente marcado, decido salir a tomar algo con mi amiga Beatriz, entro en un bar y lo primero que veo es a uno de los figurantes y guionistas de aquella serie que me ha dado tan buenos momentos. En un principio, dudamos un poco sobre decirle algo, ya que no sabíamos como podía reaccionar. Pero allí fuimos, como si fueramos Armstrong y Aldrin, nos fuimos acercando despacio, pero firme, hacia nuestro "descubrimiento". Y no resultó ser un tipo desagradable o excéntrico. Lo único que podía irradiar era inteligencia, ternura(mucha ternura)y una especie de creatividad contagiosa. Estar cerca de Miguel significa comenzar a crear un guión de la nada. Es como cuando bailas salsa o tango con alguien que sabe y crees que tú también, pero en realidad no. Sólo te está llevando.
De pronto me vi como un dibujo animado, con mi amiga, Miguel Esteban y Javier Botet en una noche extraña, y maravillosamente absurda.

Performance de Emilio en Museo Coconut

Después de esto, has conseguido que más de un día gris se convierta en un auténtico cuadro de Jackson Pollock al encontrarte fortuitamente en algún monólogo de la televisión. 
Gracias por esa espontaneidad, esa visión de la vida que tanto envidio y sobre todo por habernos regalado la risa.

"¿Cómo puede descubrir el hombre una zona en la que ya viven hombres?" Pues no lo sé Miguel, pero sí se todo lo que se puede descubrir en un solo hombre.

                                                                                   Victoria Alonso Yanes

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MAESTROS I: JESUSA VEGA

Inauguramos nuestra sección de MAESTROS con la Dra. Jesusa Vega, Catedrática de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo en la Universidad Autónoma de Madrid. Fue directora de la Fundación Lázaro Galdiano y reconocida especialista de la historia del grabado y de Francisco de Goya. A lo largo de su carrera ha ejercido una gran labor como historiadora del arte, investigadora y maestra. Desde LA CONOCIDA queremos agradecerle especialmente esta última faceta, en nombre de las que fuimos sus alumnas, y que ahora formamos parte de la productora, su rigor, su cercanía, su disciplina y su manera delicada y firme de hacer las cosas.

Gracias por enseñarnos esa cosa tan rara que es la coherencia.

S.

LA DOCTORA EN HISTORIA Y TEORÍA DEL ARTE, JESUSA VEGA. 

En esta entrevista nos desvela cuestiones relevantes en torno al mundo del Arte, y aporta datos relacionados con la línea de su investigación.

¿De qué manera ha sido cuestionada la disciplina de Historia del Arte en el ámbito español? ¿Qué diferencias existen con el ámbito internacional?

J.V: En mi opinión, el cuestionamiento de la disciplina no ha tenido lugar tanto desde un punto de vista teórico, fruto de la reflexión sobre su objeto de estudio y función social, como desde el ejercicio cotidiano de otras disciplinas. El creciente interés por el material visual y su progresiva incorporación a las investigaciones de los estudiosos de otras disciplinas —sin duda los historiadores y antropólogos, pero cada vez más los que se interesan por la literatura—, han puesto sobre la mesa la actividad desarrollada por los historiadores del arte españoles. El resultado de este interés ha devenido que en muchos casos lejos de incorporarse los trabajos de los historiadores del arte al corpus bibliográfico, lo que ha provocado es indiferencia, cuando no rechazo, ya que ni los planteamientos ni los resultados daban respuesta a las preguntas planteadas por estos investigadores interesados en lo visual. No obstante, en el ámbito internacional también se aprecia un retroceso de la Historia del arte en el mundo universitario, la desaparición de departamentos autónomos es en mi opinión alarmante; algunos son absorbidos por los departamentos de filosofía, otros por los de historia, pero todos son suprimidos por cuestiones administrativas.

 ¿Qué opina de la crisis que experimentó la carrera de Historia del Arte durante el proceso de Bolonia?

J.V: Probablemente la crisis que experimentó la licenciatura en su proceso de reconversión de Bolonia no reflejaba otra cosa que la realidad: el desinterés que ha existido por los historiadores del arte por el pasado, presente y futuro de su propia disciplina (ni siquiera celebramos el centenario de la primera cátedra en la universidad española, en un país que vive de centenarios como escaparates de la cultura). En un mundo en transformación donde cada vez se apela más al diálogo el historiador del arte ha seguido firme en su defensa de las esencias con las que se asentó en la universidad a comienzos del siglo XX: un conjunto particular de valores y creencias ejercidas sobre un dominio —aquello que se calificaba como obra de arte—, con una modalidad de investigación y una estructura conceptual. La posible pérdida del grado sacudió algunas conciencias y movilizó a unos cuantos —ni siquiera ante la posible invisibilidad hubo una lucha unánime—; el ruido que se hizo fue suficiente para desestimar la propuesta. Lamentablemente a continuación no hubo una reflexión profunda sobre lo vivido, por lo que estamos expuestos a que ocurra de nuevo y no soy muy optimista sobre los resultados.

Seguidor de Goya, El Coloso, Madrid, Museo del Prado

"EL COLOSO" ACTUALMENTE ATRIBUIDO HIPOTÉTICAMENTE POR EL MUSEO DEL PRADO A ASENSIO JULIÁ, AYUDANTE DEL TALLER DE GOYA. JESUSA VEGA PUBLICÓ UN ARTÍCULO EN EL QUE APORTA PRUEBAS CONTRA ESTA DESCATALOGACIÓN DEL PRADO.

¿Qué mejoras metodológicas cree que pueden hacer los profesionales de este sector?

J.V: La cuestión metodológica es fundamental en la actividad científica y basta acercarse a los periódicos y medios de comunicación para comprobar que hemos vivido una auténtica regresión en este sentido. Inexplicablemente se vuelve hablar del “don” y el “ojo” como práctica principal y asociada a la historia del arte cuando es obvio que ni en uno ni en otro caben la creación y transmisión de conocimiento. Eso no quita que sea comprensible que ocurra, pues vivimos en una sociedad donde el espectáculo, la charlatanería y el oportunismo dominan el escenario de la comunicación. Inevitablemente pienso en Bourdieu cuando se habla de esta cuestión. Como advierte en Homo Academicus, las oportunidades que tiene cualquier historiador de “popularidad” en un tema de actualidad disminuyen rápidamente con el tiempo (recordemos que el periódico de hoy será el que llene la basura de mañana); pero precisamente tiempo es lo que necesita el trabajo científico si quiere ofrecer un resultado de calidad (por supuesto que el tiempo invertido no es garantía de la calidad, pero sí una condición necesaria). Por esta razón no es ingenua la elección que se haga de la arena donde se quiere debatir sobre los temas: si es en el ámbito mediático (esa ha sido la elección por ejemplo del Museo del Prado en cuestiones fundamentales), la academia está perdida porque necesita tiempo para analizar, estudiar y enunciar su discurso. Dicho esto, en mi opinión la mejor manera para mejorar en nuestro trabajo es volver a la obra de arte, entendida ésta como un artefacto cultural, y al artista como ente creador inmerso en el mundo en que vivió, si hablamos del pasado, o vive si hablamos de hoy. Se me ponen los pelos de punta cada vez que oigo a mis colegas decir que lo mejor es prescindir de ambos, y consideran innecesario escuchar a los artistas. Me da la sensación de que estamos en un mundo barroco donde el historiador del arte añora ocupar el lugar del artista. En el fondo una estrategia para el inmovilismo y el atrincheramiento en la torre de marfil.

 ¿Por qué el historiador del arte sigue teniendo dificultad a la hora de encontrar su lugar dentro de la nueva realidad del patrimonio cultural?

J.V: Entre otras razones porque todavía no ha asumido que el “patrimonio artístico” es parte del patrimonio cultural, y aunque el criterio estético es el más antiguo en el reconocimiento del patrimonio hoy no es el prevalente. Defender la autonomía del patrimonio artístico y su superioridad es la manera que ha encontrado la Historia del arte como disciplina de acotar su campo de estudio y, por extensión, de reforzar la torre de marfil en la que se ha vivido casi desde un principio. Lo queramos o no, todavía está vigente la jerarquía de las artes y la idea de que el historiador tiene como objeto de estudio “la belleza”, al margen supuestamente de un compromiso social pues éste contaminaría escenario tan idílico.

  

PRESENTACIÓN DE JESUSA VEGA, COMO PARTE DE LA MESA REDONDA SOBRE LENGUA Y PATRIMONIO: CÓMO RELATAR Y DIFUNDIR CIENCIA EN EL TIEMPO (CANTABRIA CAMPUS NOBEL).

¿Cómo se manifiesta la limitada práctica asociacionista de los profesionales de la Historia del Arte en nuestro país?

J.V: Tampoco creo que sea en esto diferente a lo que ocurre en otras disciplinas, es más debemos andar muy a la par. En nuestro caso está el CEHA, que es una asociación profesional. Probablemente el origen del CEHA —su fundación esta asociada a la activa personalidad de Xavier de Salas académico de filiación anglosajona y director del Museo del Prado—, hizo que nunca haya sido un referente, ni siquiera una articulador, de la actividad profesional; por supuesto nunca ha sido un interlocutor social. Por otro lado, la historia política de España ha condicionado, como no podía ser de otra manera, la evolución disciplinar y sus prácticas: cuarenta años de dictadura no se evaporan ni desaparecen por decreto.

¿A qué se debe que haya ido aumentando la complejidad de relaciones entre la Academia y el Museo? ¿Cómo se puede solucionar?

J.V: Tampoco sé si la complejidad es mayor ahora que antes pues lo cierto es que en el pasado eran los mismos y por cierto muy pocos los que participaban de uno y otro escenario. Lo que no me cabe duda es que la razón es la falta de diálogo y esto no sólo está ocurriendo aquí. En mi opinión las prácticas —a veces malas prácticas— desarrolladas en el museo y los debates —a veces ausencia de debates— que tienen lugar en la Academia no suponen la existencia de dos historias del arte, sino que evidencian y expresan los conflictos que tiene la disciplina en la sociedad actual, los cuales no son más que un espejo donde poder mirar los conflictos que tiene la sociedad misma. En consecuencia, la manera de solucionarlos es sentarse a pensar qué quiere de nosotros y de la historia del arte la sociedad y darle una respuesta articulada desde la academia y el museo; claro que para ello la disciplina de base del museo tendría que volver a ser la historia del arte y no la economía.

¿Qué futuro cree que le espera a la Historia del Arte?

J.V: No tengo ni idea, me gustaría que fuera el mejor porque entonces significaría que también lo sería para el resto. Quizás por la edad, quizás por lo que estamos viviendo en estos momentos, soy incapaz de pensar en el futuro. Creo que lo importante es hacer el presente pensando eso sí en las generaciones que nos siguen. Probablemente en mi caso es más fácil porque como explico todos los años a mis alumnos el patrimonio es intergeneracional y solidario y merece la pena trabajar por y para él.

¿Qué aconsejaría a los licenciados o graduados en Historia del Arte que quieren desarrollarse en esta área profesional?

J.V: Que disfruten y trabajen con entusiasmo sabiendo que muchas veces trabajo no es igual empleo. Estoy segura que la mayoría tendrá que trabajar en cosas que nada tienen que ver con la historia del arte, pero de todo se aprende. Por eso que hagan lo que hagan traten de hacerlo lo mejor posible, con tesón y siendo responsables, generosos y solidarios. A la larga, lo puedo asegurar, da enorme satisfacciones.

Dentro del panorama teatral, en la actualidad existen compañías que unen el teatro y la filosofía o el teatro y la psicología. ¿Cree que sería posible aunar arte y teatro?

J.V: Hasta donde yo sé siempre han ido unidos por lo que no habría razón para que se separaran ahora. De hecho, cada vez hay más estudios sobre el pasado de esta relación. Aquí, como en el resto de las actividades, lo único que hay que generar son diálogos respetuosos y constructivos, donde cada profesional sepa encontrar su lugar y se sienta cómodo en ese espacio. Quizás la cuestión principal sea recuperar la profesionalidad pero para ello es necesario que la sociedad recupere valores que han estado cotizando muy a la baja en los últimos años, me refiero al estudio y el esfuerzo, justo lo opuesto a la operación triunfo.

Esta última pregunta es un espacio libre por si quisiera aportar algo a los lectores de LA CONOCIDA.

J.V: Agradecerles que me hayan dedicado su tiempo, si es que han leído hasta aquí. El tiempo es lo más valioso que tenemos. No se puede malgastar ni un momento de la vida porque ese no vuelve. Por esa misma razón no debemos nunca malgastar el tiempo de los demás cuando nos lo dedican. Espero que leer estas líneas no sea un tiempo malgastado para nadie.

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ILUSTRA UN MES I: POPOVICH

Arrancamos el BLOG después del verano presentándoos nuestro primer proyecto del año: ILUSTRA UN MES. Cada treinta días, un ilustrador jugará con el logo de LA CONOCIDA. Y qué mejor manera de empezar que con el creador del mismo: POPOVICH.

Alexander Méndez-Vigo cuyo nombre artístico es Popovich nació en 1988 en Bruselas, pero vivió y creció en Madrid. Con formación en Diseño Gráfico e Ilustración, es sin duda un poeta que observa el mundo desde la sátira y el compromiso social.

Sus imágenes son sobre todo planas, estáticas y hieráticas. La austeridad de su dibujo hace que sea mucho más fácil de observar, reproducir y compartir. Aciertan con lo inmediato y a la vez están dotadas de una atemporalidad que, sin duda, seguirá siendo relevante a lo largo de los años. La magia de estas imágenes radica en que se reciben como un impulso eléctrico, directo y con un rumbo claro. Algo tan sintético que supone de una intensidad cautivadora.

Popovich quiere transmitir  mensajes “constructivos, introspectivos, de humildad y verdadero progreso del ser humano”. Este mensaje alcanza a todas las clases sociales, ya que la responsabilidad moral y social corresponde a todos los individuos y no solo a los que se encuentran en las altas esferas. 




La desaparición del Ego es uno de sus mensajes más relevantes, de esta forma podemos vernos reflejados en el espejo de sus dibujos e ilustraciones, denunciando para nosotros mismos la falta de reflexión de la sociedad, el egoísmo latente y la ignorancia política y cultural.

Sus figuras son casi esperpénticas, con un toque expresionista-primitivista. Están enraizados en el presente, pero sin duda colaboran con esa idea de atemporalidad anteriormente citada.

 Toda esta agudeza no oculta la gran calidad que tiene como artista. Su deseo es ser comunicador a través del arte y no solo lo ha conseguido, sino que se supera  ya que para que “una imagen exprese más de diez mil palabras” no solo hace falta ser un experto comunicador a través de la sátira, sino tener un talento como artista que sin duda a él, le sobra.

Victoria Alonso

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PUNTO DE ENCUENTRO. Entrevista a CARLOS HERENCIA por Soraya García

El pasado jueves tenía lugar en Madrid la última representación de la temporada del musical Punto de Fuga en el Teatro Lara. Punto de fuga ese lugar geométrico en el cual las proyecciones de las rectas paralelas a una dirección dada en el espacio, convergen. 

Un punto impropio situado en el infinito.

Carlos Herencia dirige y adapta por primera vez en España junto a la compañía de teatro enCaminArte, este musical de Rob Hartmann, Liv Cummins y Scott Keys, estrenado por primera vez en Chicago en 1997 con Laura González Serrano en el papel de Amelia, Isabel Fonseca como Aimee y Justi Vega representando a una joven y chisposa Agatha Christie y la dirección musical de Joan Salas.

Misterio, humor, verdad, sencillez y un gran trabajo de las actrices que juegan en el escenario sus papeles así como el de sus madres, maridos, amigos, periodistas. Magia y emoción en este musical que no tiene una trama simple ni trivial, que nos habla de fracasos personales en mitad del éxito a los ojos de los demás, de fracasos aún cuando realizamos lo más amado de nuestro corazón, de perder, de parar.

Carlos Herencia es el director de esta asombrosa función.

La última vez que vi a Carlos fue sobre el escenario del  Teatro de Cámara Chejov en la preciosa sala de la calle San Cosme y San Damián, interpretando al Soñador de la obra Noches Blancas de F. Dostoievski, bajo la dirección de Ángel  Gutiérrez.

Su extraordinaria voz , su elegancia, escuchaban a Nastenka desde un puente de hierro, junto a un banco, relatar la historia de su desgraciado amor y de su abuela ciega. Desde entonces hasta este momento en que vuelvo a encontrarlo dirigiendo y adaptando este musical Punto de fuga, nada menos que en el teatro Lara de Madrid no había vuelto a encontrarme con él.

 ¿Carlos ha habido en tu vida algún punto de fuga en tu trabajo artístico?

Bueno, lo primero quería aclarar que la adaptación al castellano ha sido realiza también por Isabel Fonseca, una de la actrices. De hecho yo he colaborado con ella para adaptar algunos de los temas musicales fundamentalmente y perfilar algún texto

En cuanto a tu pregunta creo que sí, que ha habido más de un punto de fuga en mi vida artística. De hecho no estoy muy seguro de si sigo en él aún. Es complicado conciliar ciertas creencias sobre lo que uno entiende que es el arte y la manera en la que uno se ve obligado a ponerlo en la realidad dentro de la sociedad en la que vivimos. De ahí que siempre ande entrando y saliendo del mundo del teatro. Supongo que sigo buscando mi lugar.

¿Qué ha sucedido desde Noches Blancas, qué has estado haciendo?

Pues desde Noches Blancas a Punto de Fuga ha ocurrido fundamentalmente un periodo de descanso y supongo también que de evolución. Fue mucho lo que aprendí en aquel espectáculo bajo la batuta de Ángel Gutiérrez, hubo mucho crecimiento tanto personal como artístico...pero también, no te lo voy a negar, mucho agotamiento. Supongo que esperé a recuperar fuerzas y la vida misma me puso delante la oportunidad de dirigir Punto de Fuga cuando de nuevo estaba preparado.

¿Quiénes son tus maestros?¿Qué te enseñaron?

Mi maestro teatral indiscutiblemente es Ángel Gutiérrez, con quien aprendí de manera directa la esencia del teatro, o al menos de una manera de concebirlo. Por otro lado sus semillas se quedan dentro y a lo largo de los años van floreciendo, vas entendiendo cosas que no entendías en su momento. 

De alguna manera el me hizo descubrir que el maestro está dentro de cada cual y que la capacidad de creación está de manera potencial en cada uno de nosotros. Algo que también he querido transmitir a través de Punto de Fuga. Brindar al público la sensación de que su vida y la capacidad de ser creativo en ella está en uno mismo, si se atreve a dejar atrás el miedo que tanto nos atenaza.

BEATRIZ GUZMÁN Y CARLOS HERENCIA. TEATRO DE CÁMARA CHÉJOV 1998.

En la raíz de todos los sucesos que tienen que ver con el arte está siempre el azar, o algo que interpretamos como azar. ¿Estás de acuerdo con esta afirmación?¿Qué cosas mágicas, qué coincidencias significativas se han producido hasta dirigir esta función? ¿Cómo llegó a ti?

La verdad es que hoy por hoy creo poco en el azar, más bien piensa que las cosas ocurren por y para algo, sólo hay que estar atento y preparado. Como anécdota te diré que cuando me llamaron del Teatro de Cámara yo no sabía qué papel ni que obra era para la que me tenían en mente. Curiosamente fue Noches Blancas, un libro que hacía tiempo yo encontré en un bar y me lo llevé a casa. Quedé totalmente enamorado de aquel texto y de sus personajes. Imagina la sorpresa cuando Ángel Gutiérrez me lo propuso. Quizá azar, no se, me gusta más eso que tu has apuntado, magia. En el teatro siempre debe buscarse esa magia y creer en ella. Ya que en la vida tanto nos la niegan de manera errónea, debemos aprovechar el arte para recuperar la sensación de que en la vida ocurran muchas mas cosas de las que ven nuestro ojos.

Si creo que se trata de eso, llamar azar a las coincidencias que se producen y que resultan ser muy significativas. ¿Cuáles fueron las que te llevaron a dirigir Punto de Fuga?

El propio autor Rob Harttman propuso a Isabel Fonseca la adaptación y producción de la obra. Ella había producido previamente otro espectáculo de él, Macabaret, que se estrenó en el Teatro Alfil y tuvo bastante éxito. Entonces Isabel me propuso la dirección de Punto de Fuga, yo acepte

buscamos el elenco y a trabajar

Curiosamente el verano pasado empezó a rondar en mí de nuevo la necesidad de volver al teatro de alguna manera. No sabía como ni cuando pero tenía claro que quería hacerlo de nuevo. Poco después de una semana me llamó Isabel y me hizo la propuesta de dirigir el espectáculo. La verdad, parecía como una regalo de Reyes o algo así. O eso que llaman el Secreto.

¿Cómo se consigue llegar a estrenar una función en el Teatro Lara? ¿no es eso un milagro?

La verdad es que el Teatro Lara es un lugar bastante abierto a la hora de programar. De hecho mantienen en cartel varios espectáculos a la vez. Yo para estas cosas no soy muy hábil la verdad, las relaciones públicas no son lo mío. Afortunadamente si lo son para Isabel, quien con total naturalidad presentó el proyecto al teatro en Enero y una semana después nos llamaron para tener una reunión con ellos. Y cosas de la fortuna nos dieron fecha de estreno. La verdad es que ha sido el marco perfecto para poder estrenar Punto de Fuga.

Y sí, parece un milagro.

¿Estás contento con el resultado de la obra.¿crees que con más medios económicos la obra hubiera sido diferente? ¿las necesidades agudizan el ingenio?

Creo absolutamente que la necesidad aguza el ingenio. No me gusta mucho quejarme y prefiero ver la parte positiva de todo ello. Los cinco hemos trabajado muy duro y prácticamente por amor al Arte (no entraré en las consideraciones económicas que ya puedes imaginar) 

En cuanto al resultado uno siempre quiere más, quiere perfeccionar, poner aquí y quitar allá. Por eso es mejor ver siempre el teatro como un proceso. Y en ese proceso siempre hay un momento en que uno tiene que mostrar al público el trabajo. En definitiva puedo decirte que sí que estoy muy contento y también te digo que espero poder estarlo aún más cuando volvamos a estar sobre el escenario con Punto de Fuga.

Personalmente a mí, simple espectadora, me gusta mucho esa puesta en escena tan sencilla, máxime cuando se trata de un musical. Sus blancos, sus negros, sus grises. Los parcos elementos que caracterizan a los personajes y que me producen interiormente la sensación de encontrarme ante una verdad.

¿Dónde se encuentra la Verdad en una obra de teatro?

¿Dónde se encuentra la verdad en la vida de uno mismo? Creo que esas dos preguntas van intrínsecamente relacionadas. Lo esencial es leer más allá de las palabras escritas e intentar conectar con aquello que el autor realmente quiere contar, más allá de la excusa argumental. 

El texto y la música son como un rompecabezas que poco a poco vas descifrando y del que cada vez van emanando más las ideas que en el se esconden. Todo ese trabajo, así como el propio trabajo del actor, está íntimamente relacionado con el trabajo personal que cada cual va haciendo en su vida. Creo que, más allá de una técnica necesaria por supuesto, lo más importante en un artista está en trabajar sobre su propia alma. A partir de ahí las posibilidades de acercarse a esa "verdad" son reales.

¿Cuál es la mejor función del mundo para Carlos Herencia? ¿Cuál es el mejor personaje?

Uy esas dos son las preguntas más difíciles que me has hecho. No sabría decirte cual es lamejor función del mundo, pero te diría que cualquiera que me haya emocionado y me haya hecho pensar y evolucionar. 

El mejor papel, ahí quizá puedo ser más tópico y concreto. Creo que es Hamlet, es un personaje tan profundo en lo que dice y hace, en lo que quiere contar al mundo que incluso te diría que es casi irrepresentable en toda su magnitud.

En ese punto impropio del infinito que es el punto de fuga Ahí se sitúan tres mujeres contemporáneas excepcionales Amelia Earhart,  Aimee Semple McPherson y Agatha Christie. Estas tres mujeres que en la vida real no llegaron a conocerse personalmente compartieron algunos rasgos: sus nombres empiezan por la misma letra, eran famosas y triunfadoras, estaban alejadas del cliché de lo que tendría que ser, hacer y desear  una mujer de su tiempo y en un momento de su vida viven un episodio de desaparición, en el caso de Amelia Eart definitivo, para encontrarse a sí mismas, para encontrar solución a sus dilemas, para encontrar la manera de volver.

¿Cómo definirías a estas mujeres y qué enseñanza extraes de ellas?

 Amelia, es valiente e intrépida, vanidosa y masculina. Es casi una heroína. Aimee, sensual y seductora, tanto en el amor y el sexo como para todos sus seguidores, una muñeca rota víctima de ella misma. Agatha es la obsesión, la rareza, la niña solitaria de la clase, la combinación entre el romanticismo escondido y el humor calculador. Todas ellas en la obra nos enseñan una misma idea, nos enseñan que nacemos para ser nosotros mismos, para que vivamos nuestra vida como una aventura, con deseo y con sueños. 

Nos enseñan a no culpar a los demás pues de ahí nunca aprenderemos. Nos enseñan que el mejor maestro es el espejo. Nos enseñan como dice el último tema del musical a "tener fantásticas pasiones" y a entender "que es imposible explicar todo en esta vida", pero que lo importante es vivirla cogiendo las riendas.

¿Volveremos a verlas pronto?

Ojalá. Ahora estamos de vacaciones merecidas, y a la vuelta del verano intentaremos que vuelvan a estar sobre el escenario. Sea cual sea.

PUNTO DE FUGA, EL MUSICAL EN EL TEATRO LARA, JULIO 2014.

Una vez un periodista le pregunto a Borges que para qué servía la poesía. El contestó con otra pregunta y con un epíteto posterior. "¿Para qué sirven los pájaros? Imbécil"

¿Para qué sirve el teatro Carlos?

Caray, qué difícil. Para mí el teatro sirve para mucho más que el mero entretenimiento. Sirve para mejorar al ser humano, para embellecer sobre el escenario nuestra propia vida y así acercarnos un poco más a eso que somos, a parecernos un poco más al Universo y un poco menos a nosotros mismos.

¿Quieres decir algo más a los lectores de El Blog de LA CONOCIDA?

Pues que muchas gracias por leer la entrevista. Y sobre todo que lo sigan, porque es genial que existan espacios así, que muestren este interés por estas cosillas que tan poco parecen interesar hoy en día. Y también agradecerte a ti y a Sara la entrevista y desearos muchísima suerte en esta aventura que habéis empezado con La Conocida.

Soraya García

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RETRATOS II: Kees Harmsen por Mario García

El pasado día 29 de junio LA CONOCIDA y EDICIONES ENTRICICLOPLES presentamos el libro CUENTA LA NOCHE de Soraya García. 
Cuando pensaba en cómo construir aquel invento pronto se me ocurrió juntar para una de las escenas que se compondrían con poemas del libro a Kees Harmsen y Mario García. 

Un niño de diez años de Getafe y dos metros de Ibiza holandesa.

Dos gigantes artistas.

S.

Kees es un reloj que cuida de los gatos,

que abre puertas y que para el tiempo

congelando versos en sus labios.

Se alimenta de sueños y de libros

y cuando se apagan las luces de las

flores recuerda que es persona y que

vive, come y anda.

Sus rizos cazan mariposas y le dan café

al viento.

Kees es un barco que navega hacia el

azul de la poesía.


Mario García

LOS PIES DE MARIO Y KEES DURANTE LA REPRESENTACIÓN DE LOS POEMAS DE "CUENTA LA NOCHE" DE SORAYA GARCÍA EL 29 DE JUNIO DE 2014. Fotografía de CARLOS NÚÑEZ DE ARENAS.

KEES Y MARIO DURANTE LA PRESENTACIÓN DE "CUENTA LA NOCHE" DE SORAYA GARCÍA EN SLOWTRACK. Fotografía de CARLOS NÚÑEZ DE ARENAS.

¿QUÉ ES EL TEATRO PARA MARIO?

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